Nuevas Tendencias


Reflejos de mi hogar
junio 4, 2008, 2:46 am
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Tomado de www.archivobc.org Absolute Illegal – Melisa Arreola (www.archivobc.org)

por María Teresa Ruiz Acuña

La ciudad de Tijuana es un lugar muy extraño. Es una ciudad de hibridación, una mezcla no solo de dos culturas, México/Estados Unidos, sino de las diferentes regiones de México. Inclusive se puede decir que toda Latinoamérica llega a ser representada aquí. La frontera es una licuadora, no solo por su atracción y la mezcla que se hace en este lugar, sino también por que desgarra.

“Decían que aquí se barrían dólares” llegó a decirme mi abuelo. La promesa de una economía mejor, de una mejor calidad de vida, ha atraído a la mayor parte de sus habitantes. Solo para encontrarse que últimamente los dólares han sido repartidos entre demasiados. Que el espacio se ve limitado, que los precios son basados en la economía de nuestros vecinos. Nos hemos contagiado del consumismo, del materialismo. Dejamos atrás los valores de la cultura de nuestros antepasados. Ya sólo quedan unos cuantos locos que son generalmente criticados por tratar de hacer renacer las culturas prehispánicas. 

 En este lugar de euforia, olvido, ambición, sueños, aquí entre valles y montañas se ha hecho la sede de nuestros deseos y de nuestras pesadillas. Entre la humillación por parte de nuestros vecinos del norte y la violencia de nuestros propios paisanos, nos encontramos con un terreno fértil para el arte. Siempre he creído y se me ha confirmado que hay mucho que expresar, y ahora orgullosamente figuramos en el terreno del arte internacionalmente.

En este artículo deseo enfocarme en lo que son artistas mujeres de Tijuana. Mujeres, por mi propio interés de indagar en las tendencias de mi género. Por que yo misma soy artista, por que yo misma he crecido en este ambiente. Confieso que, afortunadamente, la violencia la he visto de lejos, la he vivido como contagio emocional al estar inmersa en esta sopa en ebullición. ¿Cómo no puede ser uno afectado por lo que les pasa a nuestros vecinos? ¿cómo no sentir el temor de que lo mismo nos puede llegar a pasar a nosotros? Esta expresión de la violencia y la frontera es una fuerte vertiente de lo que se manifiesta en el arte de Tijuana.

(www.carmelacastrejon.com)
Intento Fallido - Carmela Castrejón

Carmela Castrejón, aparte de ser artista, es activista y busca a través de su trabajo la expresión y mejoramiento de los problemas sociales. La encuentro citada en diversos sitios como parte de organizaciones binacionales que tratan problemas fronterizos, tanto de educación como de las mujeres trabajadoras de la frontera. Considero su trabajo fuerte e importante ejemplo de los alcances del arte en la comunidad.

Intento fallido, por ejemplo, es un muro compuesto de 150 adobes, cada uno vaciado del torso izquierdo de una persona1. A través de los adobes se ve la luz que emana de la esperanza de que los derechos humanos sean respetados, a través del diálogo y la comprensión. Es una de las preocupaciones del arte contemporáneo, el bienestar común. Lo que le pasa a mi hermano también me pasa a mi. Nos vemos afectados por el ambiente hostil. Como mujeres, sentimos empatía, al ser nosotras mismas vulnerables a las mismas acciones.

 
Mely Barragán, Carefree – www.archivobc.org

Mely Barragán, otra artista de Tijuana, maneja el tema de los papeles del género en nuestra sociedad. Vemos que a pesar de ser en muchos sentidos una sociedad moderna, conservamos ciertos tradicionalismos en donde se espera que la mujer cumpla con los roles tradicionales, a pesar de que las mismas necesidades de las familias han cambiado de manera que la mujer también tiene que aportar económicamente al hogar. Es conveniente que para algunas cosas se le da licencia a la mujer y para otras no. Esto lo vemos reflejado en la obra de Mely a través del uso de iconos tradicionales y ciertas imágenes2, podemos ver a la mujer, pasado y presente.

Lo doméstico - Mattress Series 
Tania Candiani, Lo doméstico – Mattress Series, www.archivobc.org

Tania Candiani, otra artista tijuanense, representa también los roles de la mujer. Para mi, define el borde, la frontera que la mujer pone para no dejarse penetrar por la violencia, como en su serie “Protección Familiar” y a la vez muestra su vulnerabilidad y como puede también dar entrada en su serie “Mattress”.


Casa 31 – Mónica Arreola. www.archivobc.org

Otra artista interesante que encaja bien en esta muestra es Monica Arreola, también de Tijuana, se recibió como arquitecta del Instituto Tecnológico de Tijuana. Ha centrado su obra alrededor de la construcción y la planeación de viviendas. Su enfoque en su serie “Desinterés Social”, es precisamente explorar las consecuencias del crecimiento de las viviendas de interés social. Mostrando sus fallas, la falta de espacio, los problemas que han surgido en colonias donde parece ser que las constructoras no tienen ningún tipo de interés real en la población que habita sus viviendas. El mensaje que emite es fuerte. En sus dibujos arquitectónicos muestra el espacio que tienen las personas para manejarse dentro de estas viviendas. El mensajero es su obra y su obra es sencilla, limpia y el mensaje se escucha nítido. Parece en cierta forma una obra de sarcasmo. Para las personas que no han habitado una de estas viviendas, parece risorio el pensar en el espacio que tiene uno para desenvolverse, pero para los que sí tienen la experiencia, es motivo de disgusto.


Mónica Arreola – Estandarte, www.archivobc.org

Creo que en su obra hay un cierto toque femenino, aunque no es muy aparente, pero la misma limpieza de las imágenes que utiliza le da cierto tono. También es típico de la mujer interesarse por los temas del hogar, no necesariamente como parte de un cliché, si no es un rol necesario que hemos adoptado de nuestra tradición. El ver por nosotros en sentido de las decisiones tomadas respecto al hogar. Digo esto sólo en base a mi propia experiencia y criterio.

La Mona – Melisa Arreola, www.archivobc.org

Su gemela, Melisa Arreola, también es digna de mencionarse. Aunque muy unida a su hermana, muestra una fuerte independencia en cuanto a su obra artística. También se recibió del ITT de la carrera de Arquitectura. Su obra artística es más bien de fotografía digital. Haciendo comparaciones entre distintos monumentos que están hechos a semejanza de monumentos internacionales. De alguna manera en su obra se alcanza a percibir ironía. Por ejemplo la comparación entre el “Reloj” situado al comienzo de la Av. Revolución en la zona centro de la ciudad con el Arco de San Luis. O el Cristo que está sobre la cúpula de una iglesia a la altura de la central camionera con el Cristo de Corcovado. Esto, lo muestra dejando las conclusiones abiertas al espectador. Ahora en el 2008, muestra su Vaca-Zebra en su página de blogspot (http://melisaarreola.blogspot.com), en su descripción, la Vaca-Zebra muestra la topografía accidentada de la ciudad de Tijuana, así como el característico híbrido de la revolución, el burro-zebra. Es igualmente una comparación en la que muestra su capacidad de denotar con un fino plumón intelectual, esos mensajes entre líneas de la realidad que vivimos. [img mona]

Esto es solo una muestra de artistas que me interesaron en lo particular por su temática y su visión del género. Hay mucho más que hablar sobre sus obras. Hay muchas más artistas que se pueden presentar en la misma categoría como las que he mencionado aquí. En general puedo decir que las artistas de Tijuana son mujeres fuertes, sensibles al dolor, más valientes en su empeño por mostrar su emoción y su compromiso. Son artistas sumamente activas, que en sus obras muestran una constante evolución y un crecimiento.

Como mujer puedo decir que el rol de la mujer postmoderna está bien representado en sus trabajos. Cada una tiene una manera única de expresión, guiada tanto por su intuición, como por su intelecto. Cualquier espectador, hombre o mujer, puede ser enriquecido por estos trabajos, haciéndolo conciente en los diferentes planos de la existencia, de la mecánica de nuestro entorno.

1fuente: http://www.carmelacastrejon.com/fallidoweb/proyecto.htm

2fuente: http://www.archivobc.org



Dentro de nuestros cajones y guardarropas
junio 3, 2008, 6:01 pm
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Dentro de nuestros cajones y guardarropas.

Arte funcional dentro de la escuela de Artes, UABC, Campus Tijuana. 2008.

Por Vanessa Ramos

Una de las características principales del arte es su aspecto siempre cambiante. A lo que hoy se le llama arte, puede que mañana no sea considerado como tal. Las nuevas tendencias dentro del arte contemporáneo que se ven aun más en estos días van dirigidas hacia lo documental y el arte elecrónico en todos sus aspectos. Otra tendencia que ha surgido, se ve con gran fuerza y cada vez más artistas la trabajan, es el objeto estético con una función cotidiana: el arte funcional.

Una de las razones notables que causan el interés y el cambio hacia la obra funcional es el giro de 180 grados de lo conceptual, que caracterizó la decada de los 90’si, a lo material, lo físico; de lo electrónico a lo manual (el trabajo producido con las manos)ii. El uso de las técnicas artesanales implica luna estrecha relación [directa] con el trabajo manual del proceso de creación y la pieza creada, una personalización de las piezas y este mismo proceso de producir va a su vez relacionado con temas iítimos y personales de cada artista. Estos artistas puede que tejan, cosan a maquina, borden, moldeen barro, etc. pero el resultado no siempre es una pieza comunmente relacionada con la técnica que la produjo. Un ejemplo de esto es la artista neoyorkina Robyn Love. Su técnica favorita es tejer con agujas. Ella ha tejido casi toda su vida gracias a que su madre le enseñó desde pequeña y cuando se encontraba estudiando Arte, retomó su pasión por tejer y la incorporó a su trabajo. Su trabajo es muy conocido en su ciudad natal ya que consiste principalmente en la intervencion de espacios, objetos y monumentos públicos con piezas tejidos específicamente para cada espacio y objeto.

Foto por Robyn Loveiii

El arte funcional y la artesanía tienen diferentes puntos en común. Gran parte del trabajo funcional surgue del interés de retomar técnicas artesanales tradicionales y crear piezas no-tradicionales. Dejar la brocha y el pincel por un par de agujas de tejer y bordar; pintar piezas sobre vajillas de porcelana trabajadas manualmente, etc.

La artesanía, que es un oficio tradicional dentro de los pueblos de cada país que por medio de la creación a mano de cada objeto, estos obtienen la característica de ser cada uno piezas diferentes a pesar de poder ser multiplicados veces incontables.

El arte funcional contiene un discurso y la intención que se tiene en una pieza como en la pintura o la escultura pero se ubica dentro de un contexto cotidiano, con un fin específico que rompe con la contemplación puramente y no necesariamente se presenta en muros o en salas de museos. Este tipo de trabajo tiene origen en la escuela de la Bauhaus que incorporó el diseño industrial y el arte en la creación de objetos utilitarios como muebles, vajillas, utencilios para comer, entre otros.

En el 2004 el Crafts Council of Great Britain inauguró una exhibición llamada “Boys Who Sew” con artistas internacionales en donde el enfoque fue la utilicación de técnicas artesanales dentro del arte.iv Se presentaron 7 artistas hombre que de alguna forma traban con la costura. Es esta una muestra donde este tipo de trabajo se presenta dentro de los muros de una galería abriendole las puertas a muchos más artistas con ideas similares.

Satoru Aoyama

Yamanote Line, 2003

Polyester thread on plyester organza. 7.25 x 7.25 in.

Entre ellos estaba Satoru Aoyamav, artista nacido en Japón y radica actualmente en Inglaterra, su trabajo abarca el bordado de retratos y paisajes sobre organza.

Son muchísimos los artistas que internacionalmente estan cambiando sus procesos para trabajar con técnicas tradicionalmente artesanales y relacionadas con la manufactura de objetos de la vida cotidiana. Kelly Breslin, norteamericana cuya base de trabajo siempre ha sido el dibujo debido a que le da resultados inmediatos. Ella crea esculturas blandas con textiles y serigrafia presentandolas en instalaciones de grandes escalas.

Esta tendencia de explorar diferentes técnicas que lleven a crear piezas más relacionadas a un objeto cotidiano que a una pieza montada en un museo, recorre todo el mundo, y la ciudad de Tijuana no se salva. Tijuana siendo ahora una de las ciudades más importantes de creación y movimiento del arte en México; situandose ahora internacionalmente, no se envuelve en una burbuja en donde nadie la toca y lo nuevo no llega. Al contario y un ejemplo se da claramente dentro de la Escuela de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California donde un puñado de estudiantes y artistas se encuentran explorando lo funcional abarcando varias técnicas como el bordado, la encuadernación, la serigrafía y principalmente la costura. Las razónes por las que llegan a este tipo de trabajo son igual de variadas que el trabajo mismo pero se puede sintetizar en dos razones recurrentes: la exploración de técnicas diferentes a las tradicionales enseñadas dentro de la escuela y la facilidad de venta de la obra funcional.

Exposición Tapetes 2.0

Colectivo MArtes, tapete de Melissa Arreola

foto por Vanessa Ramos

De los estudiantes y maestros dentro de la escuela, son alrededor de una docena de ellos que en algun momento ha trabajado con objetos funcionales dentro de su obra: Yessica Lizbeth Díaz, maestra de grabado y Coordinadora de la Licenciatura en Artes Plásticas, cuyo trabajo astístico la ha dirigido hacia las técnicas que expresen y muestren de mejor forma lo que ella busca. Algo que ella notó al llegar a Tijuana, siendo originaria del Edo. de México, fue la cultura del reuso, el auge de las tiendas de seguda mano que no se dan en el sur del país. Yessica dice que es esta misma cultura del reuso que se merge con los procesos de la ciudad que impulsaron la funcionalidad en el trabajo de los artistas de Tijuana.

Glezqui bags por Verónica Glezqui.

La necesidad de poder vivir de su trabajo (económicamente) también fue uno de los impulsores ya que al relacionar una pieza de arte con un objeto cotidiano lo hace mucho más atractivo al espectador y , por ende, existe más posibilidad de que la pieza sea adquirida.

Dentro de la Escuela de Artes hace un poco más del año surgió un colectivo cuyo enfoque era la craecion e intervencion de piezas funcionales por sus integrantes. El colectivo se llamó Colectivo Wardrobe, nombre surgio por la relacion que existió en el trabajo de estos estudiantes-artistas y lo que los unia fue, aparte de su trabajo funcional, que todos tenian un guardarropa (en inglés wardrobe) en casa lo cual era el elemento similar pero el contenido de el era totalmente diferente uno del otro. En su inicio el colectivo contó con 10 miembros: Cristian Campos, Tania Olivares, Vanessa Ramos, Yessica Díaz, Franklin Collao Moreno, Verónica González (Glezqui.), Miguel Erick Urquijo, Miguel angel Iñiguez, Laura Ramirez y Fernanda Hernandez. Después de editar un catálogo de muestra y varias reuniones con exposiciónes planeadas, el colectivo quedó en pausa por un poco menos de 6 meses y cuando reanudo su producción los integrantes fueron solo Miguel Erick Urquijo, Vanessa Ramos y Miguel angel Iñiguez. Actualmente siguen trabajando con un fuerte y total enfoque en crear obra funcional, estética y alcanzable a distintos públicos.

Cristian Campos

El Colectivo Wardrobe nace del hecho de que distintos artistas encuentran similitudes en su trabajo específicamente de carácter funcional, nace de la necesidad de promover este tipo de obra iniciando dentro de la ciudad con el fin de llegar a muchos rincones de ésta: Galerías privadas, Museos y espacios culturales publicos, casas de artistas, etc., y de poder obtener ventas de ello.

El arte funcional es un giro y es la contraparte de lo que predomina en el arte hoy en día, de lo conceptual y de lo electrónico, de lo impersonal y de lo mecánico. La utilización de tecnicas de manualidades tradicionales y artesanales dentro del arte produce una desociación de la misma técnica al no ser productor de piezas relacionadas con los quehaceres de los pueblos. Pero es esta misma produccion de objetos cotidianos que permite una posibilidad de que piezas que pueden ser encontradas dentro de un museo, se encuentren dentro de casas, dentro de nuestros cajones y portadas sobre nuestros cuerpos.

i En donde la pieza en sí no tiene el peso si no el concepto es lo importante, algunas veces la pieza era efímera o inexistente fisicamente.

ii By hand, the use of Craft in Contemporary Art; Shu Hung and Joseph Magliaro, editors; Princeton Architectural Press, Nueva York; 2007; pp. 11.

iiiHttp://robynlove.com

ivCrafts Council of Great Britain, Boys Who Sew http://www.24hourmuseum.org.uk/exh_gfx_en/ART19921.html



Sobre la generación de imágenes
junio 3, 2008, 11:35 am
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Este documento explica las maneras en que el Colectivo Wardrobe trabaja para crear imágenes, la materialización de estas y de que manera este discurso hace que nuestro trabajo esté vigente en el arte contemporáneo.

Wardrobe es un colectivo de artistas multidisciplinarios en el que convergen diferentes temáticas, puntos de vista en torno al arte y técnicas de manufactura, entre ellas el arte de factura no convencional, pragmático y funcional; un arte utilitario, en su sentido más literal.

A finales del 2006 nos juntamos los 9 artistas que conformaríamos el colectivo, aunque por diversos intereses, el número se redujo a 3 artistas; Erick Urquijo, Miguel ángel Iñiguez y Vanessa Ramos.

La función de este colectivo es promover el quehacer de las funciones del arte; el análisis, la critica, lo funcional, lo pragmático, lo contemplativo, lo transitorio, lo performático, la tecnología, el discurso, el atisbo de lo sensorial a través de lo orgánico, la música, la moda, el juego y sus componentes esenciales.

Entendemos la relación entre arte y funcionalidad, por esta razón, es de nuestro interés hacer saber que como pioneros de esta forma de arte en Tijuana, el Colectivo Wardrobe toma con gran prez y responsabilidad el hecho de estar constantemente innovando procesos creativos para así brindarte un arte único, rico en materiales y contenido.

Imagen tomada de www.myspace.com/colectivowardrobe

Mucho de lo que constituye nuestras piezas proviene y/o pasa por procesos no-convencionales dentro del arte; el dibujo, la serigrafía, el collage, el ensamblaje, el reciclaje, la escultura blanda o la instalación son usados y caracterizan nuestra inventiva; conforman nuestro quehacer. A través de este proceso creativo, nuestra misión es que cada pieza wardrobe sea única cada vez; piezas de uso cotidiano (vestimenta como soporte).

Como artistas multidisciplinarios nos interesa el construir nuevos parámetros estéticos; en este caso, las imperfecciones son deliberadas y son parte del concepto Wardrobe, cualquier irregularidad expuesta en nuestras piezas acabadas son inherentes a nuestro concepto por lo que no constituyen un defecto, sino una propiedad.

//www.flickr.com/photos/vanezia/sets/72157603245544851/

Hablando en cuanto a los procesos de generación de nuestras imágenes, estos son abordados a partir de series que muestran una parte de la realidad que nos circunda. Ejemplificaré:

Serie motivos orientales. Esta serie se ocupa de tomar como un collage el conocimiento que llega a nuestras manos. La masa de información recolectada en forma de literatura, objetos encontrados, conversaciones, nos dan pautas para generar a partir de técnicas como la apropiación , el dibujo, collage, serigrafía imágenes que son materializadas en nuestros soportes.

Imágenes de Budas, iconografía como el Om, construcciones de paisajes, personajes inspirados en animación japonesa, Confucio, comida china. Estos son específicamente algunas de las imágenes que hablan de esta serie.

El motivo de nuestras seleccionas en cuanto a temas para nuestras series son seleccionados mediante una evaluación, nosotros como evaluadores actuamos depurando el sin número de temas de los que podríamos hablar en nuestro trabajo. Que es un evaluador lo muestra su modo de elegir, seleccionar etc. (Wittgenstein) Intereses como contrarrestar la vanalidad de la sociedad y aspectos como la espiritualidad, conciencia, nos interesan como puntos a tocar por lo menos en esta serie.

fotos de www.colectivowardrobe.blogspot.com

Si la guerra continúa

Esta serie fue pensada en otra lógica en cuanto al método de hacer imágenes. Inspirada en el libro de Herman Hesse, nos hizo hacer una crítica que exhorta a la reflexión de este tipo de temas tan fuertes y tan frecuenten en nuestro vocabulario cotidiano.

No hay exactamente imágenes que son traducidas en dibujo para imprimir sobre el soporte, sino que en si la pieza es una imagen que remite a cuestiones bélicas. Equipo para salir a un combate. La pieza es visualizada a partir de una funcionalidad que puede tener un accesorio transformado a un artefacto cotidiano, haciendo una crítica a la guerra.

www.myspace.com/colectivowardrobe

Durante la trayectoria del colectivo hemos trabajado en varias series así como eventos. A continuación anexo un breve currículo de los diferentes trabajos realizados.

Colectivo Wardrobe

Colectivowardrobe@gmail.com / http://colectivowardrobe.blogspot.com

2007/ febrero, inicia en Tijuana, Baja California.

Integrado por Erick Urquijo, Miguel angel Iñiguez y Vanessa Ramos

Primer Semana Cultural, Escuela de Artes, Universidad Autónoma de Baja California, Tijuana.

Cita: [3:00]pm, Intervención, Universidad Autónoma de Baja California. Campus Tijuana.

“Síntoma y Diagnóstico”Primer Salón de Artes , Resurgimiento, Instalación insitu, Galería UABC, Universidad Autónoma de Baja California.

Festiarte 2007, Arte funcional, Parque México, Playas de Tijuana.

Series trabajadas:

Motivos orientales

Registros de Vuelo

Si la guerra continúa

Series limitadas:

Wardrobe Grocery bag

Wardrobe Old black jacket

Wardrobe Topic shirt

El arte contemporáneo busca estar hablando sobre temas actuales, complementándose con formas propositivas de resolver sensiblemente los temas en cuestión.

Nuestro trabajo está comprometido en estar innovando. Si la tarea es reflejar la actualidad sobre nuestro entorno y cuestiones de gran importancia que atañen a la humanidad a nivel mundial, entonces aunque la funcionalidad en el arte ya ha sido explorado por la Bauhaus, el reinventar las maneras de cómo concebir imágenes y la manera como son materializadas atienden perfectamente a este llamado.



Alejandro Jodorosky
junio 1, 2008, 6:58 pm
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Alejandro Jodorosky
A los cuatro años el señor Toro me felicito:
No me extraña que aprendas rápido, por que en
medio de tu nombre tienes un ojo de oro.

EL papel del artista
El rasgo esencial de un artista, me párese que sea diferente a todos.
Alejandro Jodorosky

Alejandro (Alexandro) Jodorowsky Prullansky alias Jodo (Tocopilla (Chile), 7 de febrero de 1929), artista polifacético chileno de origen judío-ucraniano. Entre sus muchas facetas destacan las de escritor, filósofo, dramaturgo, actor, poeta, director de cine, guionista de cómics, instructor del tarot y psicomago entre otras cosas.

Fundó, junto a Roland Topor y Fernando Arrabal, el Grupo Pánico . Su aportación más sorprendente es quizá la psicomagia, una técnica que conjuga los ritos chamanes, teatro y psicoanálisis para provocar en el paciente una catarsis de curación.
Alejandro Jodorosky es un gran artista, de los pocos que rompen con el convencionalismo estructurado de las diferentes disciplinas artísticas. Por ser impactante, chocante, trasgresor, incluso escandalizador y con elementos esotéricos y con una atmósfera surrealista.

Libros, películas, cómics… No hay expresión artística capaz de sujetar el genio creativo de Alejandro Jodorowsky. Contempla cuarenta años de arte y búsqueda.

Evangelios para sanar
Las ansias carnívoras de la nada
El maestro y las magas
La vía del Tarot
El niño del jueves negro
Piedras del camino
Psicomagia
El dedo y la luna
El tesoro de la sombra
Danza de la realidad: Psicomagia y Psicochamanismo
La Trampa Sagrada
Donde mejor canta un Pájaro
El Niño del Jueves Negro
Albina y Los Hombres-Perro
La Sabiduria de los Chistes
La sabiduría de los cuentos
El Paso del Ganso
POESÍA
TEATRO

El ladrón del arcoiris
Santa Sangre
Tusk
La montaña sagrada
El Topo
Fando y Lis

El Incal
Después del Incal
El corazón coronado
John Diffol antes del Incal
Los Tecnopapas
Megalex
La casta de los Metabarones
Las aventuras de Alef
Anibal Cinco
El Lama blanco
Juan Solo
Bouncer
Cara de luna
Otros Álbumes

Yo no hago cine para gente de masas, sino para gente que realmente quiera ver mis películas. “Para un grupo determinados de personas”. A mí no me importa que se salgan de la sala de cine.
Alejandro Jodorosky

El artista es solo un intrumento .
“Somos nada mas que antenas trasmisoras, flautas por donde sopla un burro divino”.
El gran maestro de lo surreal
Alejandro Jodorowsky pasa a “formar parte de la cultura artística mexicana”; cuando llega a México ya había conocido a André Bretón en París y se desempeña como ayudante de Marceau: “Creo el Teatro de Vanguardia. Escándalos. Peleas. Gran actividad artística con pintores y escritores y actores.
Jodorowsky el gran iniciador dentro del cine ,como en sus múltiples disciplinas ha revolucionado las técnicas artísticas para crear un arte sanador. La gran influencia de este personaje es reconocida por muchos.
Un arte puramente cómico, en el cual nunca debe faltar el humor ,ya que para jodorowsky “el humor siempre hay que redescubrir el humor ,las novelas tienen que ser cómicas. Todo arte no debe pretender que el arte nos apremie”.

Jodorowsky es una gran influencia para los nuevos medios a los que en nuestra actualidad nos estamos enfrentando, los nuevos medios están creando una nueva manera de expresión ,estos medios rompen con el paradigma tradicional del artista, el que en un principio el arte era una elite, y el arte no puede ser eso ya termino, tiene que ser arte popular y ahora bien entendido. Gran parte del arte popular, hasta ahora, ha sido arte para cretinos, para huevones incultos, eso es menospreciar al hombre popular ya que este mismo creo la catedral de notre dame, el tarot, los grandes monumentos etc….El arte viene del inconciente colectivo; en definitiva, de los popular, por lo tanto, lo popular no son solamente cuecas.
Los nuevos medios por ejemplificar, son los fenómenos conocidos como el Myspace, Blogs informativos, You tube entre otros, estos medios le dan a las personas un poder sobre el cual pueden expresar cualquier disciplina artística, puede ser comunicada por estos medios, hay artistas mediocres y hay artistas geniales, los mediocres son los que usan este medio de manera muy simplista y solo comunican tonterías y vulgaridades, los geniales utilizan este medio para trasmitir conocimiento e ideas, comunican sus escritos, comunicados de intereses social, obras de manera sana, mientras que los mediocres solo comunican lo vulgar y mundano.
Los nuevos artistas tenemos mas medios de expresión que hace años, esto puede ser de gran ayuda , si comunicamos bien nuestro trabajo nos podemos dar a conocer, a si las personas apreciaran nuestro trabajo y hacernos de publico. Un artista debe saber vender su trabajo para seguir creando, sin caer en las limitantes de crear un arte para masas.
Alejandro Jodorowsky, el hombre artista, ha luchado toda su vida por dejar que su verbo cree. Por eso elude cualquier posibilidad de algún consenso y de la placidez de lo comercial. Está ahí para asombrar, sorprender, golpear. Todo poema es inquietante, todo ciclo es un infierno, toda muerte es una vida. Desde el horror arcaico hasta la fruición ulterior, él se sitúa en los brazos de la belleza, provocando en todo acto, obra y momento un instante iniciativo. “Lo que se llama belleza, lo que se llama arte, es un golpe, porque lo que no es arte no te golpea, es lo común, lo vulgar, lo que siempre ves. El arte es lo que no ves todos los días, es lo nuevo, es lo distinto, es lo sorprendente, es lo mágico, ¡es lo sublime!” (Jodorowsky, 1997).

Jodorowsky la gran influencia para los nuevos artistas que están en la era de una sociedad desfragmentada, la sociedad esta sufriendo de esta nueva originalidad , una sociedad que sufre de cambios por el materialismo y falta de espiritualidad, la falta de originalidad de las ultimas décadas a creado un afán por lo original y lo no original, lo original no existe, solo la transformación es lo que puede llegar a crear esta nueva originalidad, si pensamos en las vanguardias pasadas, la modas , el pensamiento, en esta era se encuentra estancado por los medios de comunicación ,la tele, la radio, el internet han deformado la visión de estas modas que solo satisfacen a las masas, su cultura es basada en una cultura que se deja influenciar por los medios. El artista debe romper con todo este convencionalismo y salirse de esta desfragmentacion para a si transformarla. Solo así volverá la originalidad relativa. La originalidad relativa es el conjunto de pensamientos que en algún punto armonizan, creando una nueva tendencia, si bien el arte es considerado como una física quántica donde sus múltiples realidades son la visión del artista, creo que hay reglas en las que el artista tiene que basar sus conceptos. Y así crear una armonía colectiva.

Jodorowsky en su tiempo rompió con esta realidad desfragmentada y despertó un gran interés en los nuevos artistas. La Montaña Sagrada lo lleva a emprender su proyecto más ambicioso, la dirección de la película Dune. Jodorowsky trabaja en él durante más de 5 años, invitando a participar a Orson Welles y Salvador Dalí (quien cobraría 100.000 dólares por una hora y que aceptó a regañadientes la oferta en su hotel de Barcelona) e involucrando también a Chris Foss, Pink Floyd y H.R. Giger, todo bajo la dirección artística del dibujante francés Moebius. Tras retrasar el proyecto infinidad de veces, la compañía productora se retira, dejando más de 3.000 dibujos realizados por Moebius, que tiempo después se convertirían en el alma del cómic El Incal. Se ha dicho que muchos de los diseños del proyecto acabaron reciclándose en Star Wars y, posteriormente, El quinto elemento. Igualmente, muchas de las personas implicadas en el proyecto acabaron trabajando después en Alien, donde pueden apreciarse elementos similares a los de la película fallida. Por supuesto, a principios de los 80, David Lynch hizo su propia versión de Dune



EL TIEMPO QUE MOLDEA 2
mayo 30, 2008, 4:11 am
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Pese a su reiterada valoración de lo original, de lo nuevo, Dalí repitió a veces hasta el cansancio, una serie de temas, de elementos que ayudaron a configurar con nitidez. La imagen popular de su estilo pictórico.

 

Al fondo de la obra pictórica  “persistencia de la memoria”. Un escenario constante a lo largo de su vida como artista. Las playas infinitas, junto a un mar azul, en calma total. La atmósfera, transparente casi sin atmosfera,  en algunos otros cuadros aparecen algunas nubes, este siempre se le ha relacionado con su tierra con la llanura del amputaran, abierta al mar, con Cadaques y Port Lligat siempre presente en el.

Como en los años cuarenta  van a ser siempre el marco donde se sitúen sus escenas, sus personajes tanto en la etapa surrealista como en la clasicista, y en buena parte de sus primeras obras  tentativas. El propio Dalí describiendo el surgimiento de una de sus ideas deja ver como este escenario era con frecuencia un marco previo  a la idea misma del cuadro

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El cuadro que estaba pintando representaba un paisaje en los alrededores de Port Lligat en las que las rocas parecían envueltas por una luz crepuscular transparentare… este paisaje debería de servir como tela de fondo a alguna idea, pero cual?  Me faltaba una imagen sorprendente y no la encontraba…

 

 

 

Cap de Creus con sus formas caprichosas, en la que ya los pescadores tradicionalmente veían formas, denominándolas así la mujer muerta, por ejemplo, Dalí observaba que lo mismo le pasaba  a Eluard o Lorca cuando visitan el paisaje y llega a conclusión a que incluso en el paleolítico, las primeras formas pictóricas conocidas, se hacían sobreponiendo la pintura a las formas que sugerían los relieves de las paredes de las cuevas (en el arte rupestre de las cuevas de Altamira) estas sugerencias de las formas construidas por nuestra propia percepción y de imágenes retomadas para formar nuevas, será lo que Dalí  intente plasmar en su pintura provocando visiones dobles o equívocos visuales. Pero con conceptos totalmente planteados y estructurados.

 

Además están las formas caprichosas del Cap de Creus. Esas que inspiraban a Dalí la lectura de imágenes en las rocas talladas o más bien modeladas de una manera natural, delirante, paranoica o caprichosa por las olas.

 

En Cadaques, a tan solo 30 km de Figueres los Dalí poseían una casa de verano, ente pueblo de pescadores esta rodeado por altas montañas y se abre una bahía que sirve de abrigo a las embarcaciones ante el turbulento mar. Al norte aguarda Cap de Creus , una saliente inmenso. 

 

“En que las montañas de los pirineos, en un grandioso delirio geológico se sumergen en el mar”

 

 

 

 

En compañía de su hermana Ana Maria, tres años menor que el salían de excursión con el beti, un pescador que conocía el nombre de cada una de las rocas  y podía explicar mil y una historias que se trasmitían  de generación en generación, algunas noches de verano, cuando estaba sereno, la familia de los Pichot que eran amigos de los Dalí, organizaban conciertos nocturnos en pleno mar o en la costa, para ello colocaban con gran ampulosidad  un “piano de cola” en  una barca o directamente sobre los peñascos, así pues. Este tipo de escenas que Dalí presenciaba, despertaban en el, gran curiosidad por pintar. Y mas tarde este tipo de imágenes que plasmaría en sus cuadros “no procedían directamente o exclusivamente  de su imaginación o su inconciente sino que a menudo respondían a vivencias concretas de su infancia”. Este tipo de imágenes que guardaría en su inconciente que mas tarde utilizando como puente los sueños llegarían a su conciente, son imágenes de vivencias concretas y registradas.

Dentro de esta atmósfera también  es un elemento característico la sensación de falta de contacto entre los diferentes objetos, que aparecen superpuestos. Esta sensación relacionada con la fobia de Dalí al contacto humano,(lo físico, lo razonable que para Dalí lo razonable de nuestro mundo es lo irracional en el mundo onírico),   pero el reloj blando que reposa sobre su autorretrato blando, en   un contacto con lo metafísico, mas allá de los sentidos, Siendo mas objetivo y menos epidérmico, en su manera de concebir al tiempo.

 

 

 

 

 

 

Las formas blandas o mas bien la oposición de lo blando y lo duro, aunque el lo relaciona con elementos de comida, con los quesos en concreto, es evidente que trascendía a esto, teniendo otras connotaciones mas complejas y mas sugerentes, lo blando con relaciona a lo orgánico, lo vivo, frente a la dureza de lo mineral. De la dureza, de un estado materia sólido, capas de tener alcance descriptivo y  explicativo para la física.

Pero lo blando es también lo que no se sostiene por si solo, lo que cae, en el cuadro los relojes caen siendo atraídos por la fuerza de gravedad,  que  en un sentido metafísico “el tiempo que fluye”, en sus relojes blandos

 

Por eso también su veneración por la solidez por lo físico por lo que era capaz de mantenerlo en lo racional,  de las rocas del Cabo de Creus, cuyo paisaje mineral constituye un verdadero delirio geológico que es desde hace siglos es un refugio seguro,  un refugio al que Salvador Dalí volverá una y otra vez.

 

Y este sentido de debilidad, de no sostenerse, tiene también un sentido erótico claro en su obra, lo blando es la impotencia la inseguridad sobre su virilidad producida por sus traumas de niño, y la culpa de la flacidez, de la perdida de energía tras la masturbación, es su inseguridad y de ahí el autorretrato blando tirado en el suelo a falta de una estructura que necesitaba

 

 

 

 

 

SU VISIÓN DEL MUNDO, LO BLANDO Y LO HUMANO ES ASÍ FRENTE A LO EFIMERO Y LO ETERNO, EN LO SIMILAR ESTA SU DIFERENCIA

PERO EL VALOR  VERDADERO RADICA EN EL REGISTRO VISUAL DE SU PERSPECTIVA DE VER EL MUNDO Y CONCEBIR SUS IDEAS, QUE TRASCIENDE EL MISMO CONCEPTO DE TIEMPO, TAN DISÍMIL Y FUSIONÁNDOLO A LA VEZ.

 

                              DIALÉCTICA

 

                     BLANDO                                            SOLIDÓ

                      INVERTEBRADO                            ESTRUCTURA        

                      HUMANO                                          ETERNO

                      METAFÍSICO                                    FÍSICO

                       SUEÑO                                              EMPIRICO

                       INCONCIENTE                                CONCIENTE

                        EFÍMERO                                        IMPERECEDERO

                       ORGÁNICO                                     MINERAL

 

 

 

Este personaje que aparece al centro de la obra se trata de un perfil caricaturizado del pintor, blando y cabizbajo, decadente, se encuentra en un estado de disolución en donde el tiempo y las fuerzas gravitacionales actúan sobre su forma, continuamente cambiante por el tiempo transcurrido, o tal vez se encuentra en un estado de disecación, en donde la taxidermia perpetua la forma hacinado que el tiempo transcurra mas  lento, en su agonía, la agonía como fuerza externa que ejerce cambio sobre el sobre el, Isaac newton decía que un cuerpo con una dirección  no cambiaba su curso si no se le aplicaba una fuerza externa a el.

 una lucha por no perder su forma, su identidad  con la nariz hacia el suelo con el gesto de culpa, con el tiempo encima como si se tratara de una carga, como si el tiempo le moldeara, o tal vez el mismo tiempo como verdugo de sus propias emociones o  ideas concientes , su rostro poco expresivo por que se le ve como si se encontrara en un estado de tiempo detenido, un fragmento, de algo relativamente mas grande y complejo como lo postula Albert Einstein. en su teoría de la relatividad absoluta, fenómeno físico donde el tiempo en determinas situaciones complejas y forzadas, podría ser distinto para dos cuerpo.

 

Esta silueta esta  inspirada  en una imagen que el mismo adopta de las formas talladas o figuradas de las rocas  de Cap de Creus, esta imagen preconcebida y digerida  que hace alusión a su estado psicológico en que se encontraba, a su sentimentalismo, a esa inestabilidad emocional que la misma gala era capas de provocar en el, así como mantenerlo en un estado de conciencia. Aunque para mi pensar, nunca la perdía, por lo contrario lo hacia con intención, para forzarse a tener esos estados de inspiración,

 

 

 

 

 

 

El tiempo como un fenómeno perteneciente a la  física y la metafísica pero al la vez tan y nos lo muestra tan disímil, como si presenciáramos una lucha o una fusión. Capaz de transformar la forma, tanto en un mundo empírico,  como en el  onírico hasta diluirla, emblandecerla hasta trasformarla y perdiera su identidad,  pero es solo eso ya que el tiempo  es infinito,

Por un lado, en lo verídico de la representación  del espacio- tiempo como un fenómeno que nos rige a los seres animados he inanimados, el tiempo un fenómeno que sus fuerzas son inconcebibles más allá de la vida y la muerte. Mas allá del instante o de la eternidad

 De el cambio de la forma atreves de el tiempo y también lo

Eterno que puede ser. Como si no nos perteneciera. Como si no existiera…

 

 Por otro lado el método paranoico crítico  solo es un juego de imágenes dobles, superpuestas, o múltiples, básicas desde sus primeros años de surrealista, su método paranoico – critico consistía en imágenes digeridas por su conciente, reprensadas de manera retiniana que eran capaces de cumplir su objetivo:, el darnos la clave para poder sumergirnos en su mente, en su mundo, del cual es solo tenia la llave

SALMERON SERRANO ISIDRO



EL TIEMPO QUE MOLDEA 1
mayo 30, 2008, 4:04 am
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Para conocer a Dalí y su forma de ver las cosas a su alrededor es necesario conocer el surrealismo, aunque Dalí existe por sí solo, de alguna forma él es surrealismo puro ya que no solo adopta su disfraz de surrealista en los lienzos si no que los lleva a su forma de vivir. El fue el surrealismo, él y su obra son uno mismo, un mismo universo onírico.

Si queremos encontrar algunas de las causas del pensamiento de Salvador Dalí nos tendremos que remontar hasta la Primera Guerra Mundial, una guerra en la que las escenas contempladas eran de carácter onírico. en la cual se provocaron una serie de cambios que desencadenaron una forma de ver la realidad desde otra plano. Provocando lo que fueron las Vanguardias y el movimiento surrealista. Después de esa Guerra hubo “un antes y un después” en el mundo del arte, que radicó en una nueva concepción de los problemas del mundo, donde los sistemas políticos hegemónicos eran incapaces de ofrecer seguridad y bienestar. A partir de entonces, Salvador Dalí renegó de la “misión” de plasmar la realidad.
Lo que le interesó fue trasladar a sus lienzos sus inquietudes, su visión del mundo, sus sueños. En definitiva, Salvador Dalí dejó de ser un fiel transmisor de lo que veía para convertirse en un creador. Aunque surgieron movimientos de índole diversa, todos tenían un denominador común: la convicción de que el arte debía encontrar nuevos rumbos, liberarse de normas y formalismos pasados y de ser el resultado de las vivencias e inquietudes de cada artista.

Con estas nuevas inquietudes nació el surrealismo, con la publicación en 1924 del Manifiesto del surrealismo, obra del escritor francés André Bretón y que fue definido por el propio  André Bretón como un escrito que surgió desde el… “automatismo psíquico puro, por el cual se propone expresar verbalmente, por escrito, o bien de otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de cualquier preocupación estética o moral”.

Los surrealistas criticaban la pérdida de la libertad en los creadores, consecuencia de la de la rutina, del peso de la educación clásica de la pintura, que volvían incapaz al individuo como creador. Desde esa postura  no era necesario, para ellos, una coacción física; puesto que la propia autocensura se encargaba,  se encarga de limitar la capacidad de creación del artista al no ser capaz de romper sus ataduras y dejar que la imaginación vague sin lazos ni trabas de clase alguna. De atreverse a indagar en su mente y dejar salir mediante el lienzo sus ideas y concepciones de su tiempo y de el mundo cambiante.

El surrealista creador se concibió como un loco de la sociedad, de la que sólo podría librarse mediante la exaltación de lo irracional, del sueño, en  Dalí  un nivel  de la locura que controlaba, como el mismo decía: el payaso no soy yo, sino esa sociedad tan monstruosamente cínica e inconscientemente ingenua que interpreta el papel de seria para disfrazar su locura. ¨ La diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco”

es decir, mediante la oposición de “otro mundo” al establecido y dominado por las clases dirigentes (clase burguesa¡). Es esta la razón por la que algunos surrealistas se adhieren al socialismo, pues pensaban que era el instrumento capaz de destruir el orden social y crear una nueva sociedad.

 En la vida y en la obra de Dalí se encuentran muchos de los problemas centrales del siglo XX, como la puesta en evidencia de los condicionamientos sociales a partir de las tendencias filosóficas, irracionales e individuales (Marx, lacan, Nietzsche, Freud: quien en  1922 comenzaron a publicarse en español las Obras Completas de Sigmund Freud ) que para Dalí se convirtieron a muy temprana edad en  personajes cargados de inspiración, pero sin duda un nuevo concepto del tiempo, del espacio y de la materia (de Einstein, el atomo  e Hiroshima) una forma de nueva y cambiante de apreciar configuración de la realidad distinta de la meramente aparencial que nos muestran los sentidos (desde la superrealidad o el sueño hasta el ADN) etc.

Con todos estos acontecimientos el propósito de Dalí fue encontrar una serie de imágenes en que pudieran reconocerse los complejos pensamientos que habitaban en las zonas oscuras de su mente. Esta vía de acceso a la superrealidad (el mundo del inconsciente). Según Dalí, el pintaba a partir de una referencia externa y tangible, tanto si se trataba de una mancha, una fotografía o un objeto. A partir de ella se podrían proyectar los contenidos del subconsciente y controlarlos de forma crítica y consciente.

Desde entonces Dalí pintará sus obsesiones y en 1929 bautizará este sistema como el método paranoico-crítico, que consiste en “materializar las imágenes de la irracionalidad concreta, especifica”, es decir descubrir de los rincones mas oscuros de la psique (alma, espíritu); debía dejar que su mano se moviera libremente por la tela y dejar que emergieran sin oponer resistencia las pulsiones de lo prefundo  de su inconciente más otros originados por los sueños. El resultado de este análisis es un conjunto de imágenes delirantes, a veces desagradables, enigmáticas o escatológicas. De estas imágenes y paisajes solo él parecía tener accesos. El objetivo de Dalí con este método es, mostrar la irracionalidad para despojarse de sus obsesiones

 Este método no funciona si no se posee un motor blando de origen divino, un núcleo viviente, una Gala  –y sólo hay una.
En su infancia Dalí crece con muchos traumas como ser considerado por sus padres como el sustituto de su hermano y sus constantes comparaciones a tal grado que Dalí llevo el mismo nombre de su hermano fallecido y tenerle que llevar flores a su tumba  que el consideraba como propia. Esto se vera reflejado en su obra pictórica con animales en descomposición y las hormigas. Otro trauma que relaciono con este hecho es la sexualidad como el  la concebía el, su hermano había muerto a causa de una enfermedad sexual que el padre le había transmitido y que este se había contagiado al mantener relaciones sexuales con prostitutas. A raíz de este hecho, Dalí siente un horrible pánico al sexo, sobretodo a lo que se refiere al femenino y por lo tanto también sufre impotencia por lo que se entregará frenéticamente a la masturbación  como sustituto, de hay que abunden las formas flácidas sostenidas por muletas.

trauma para Dalí solo constituirá en un medio a través del cuál creará una teoría para explicar un nuevo método de ver la realidad. La paranoia dentro de psiquiátrica se caracteriza por una especie de delirio que impulsa a quien es objeto de ella, a dar a cuanto le rodea una interpretación falsa pero coherente. Freud afirmó que “los paranoicos son capaces de construir con sorprendente ingeniosidad y sutileza los mayores absurdos.

Tal es el caso una de sus mas grandes obras pictóricas. La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931.sus medidas son 24 x 33 cm. Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York. Antes de ser adquirida por el MOMA, la pintura fue expuesta en la Galería Pierre Colle de París, del 3 al 15 de junio de 1931, y, en enero de 1932, en la galería Julien Levy de Nueva York, en una retrospectiva dedicada a los surrealistas

 

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El fondo de la bahía rocosa de port lligat. Retenidas por una extensa llanura, aparecen yuxtapuestos elementos diferentes que provocan el asombro del espectador tanto por su heterogeneidad como por su singular aspecto.

El retrato de salvador Dalí, que aparece en primer plano, se asimila a un caracol arrastrándose  por el suelo cuyo cuerpo se pierde en la oscura arena, tres de los relojes de oro y plata representados en primer plano, son blandos , se recuestan sobre el cuerpo que los sostiene o cuelga de la rama de un árbol sin hojas. En todos adoptando su forma y la circuntacia atraídos por la gravedad.

El único reloj que parece conservar su consistencia normal esta pintado en color rojizo y es devorado por las hormigas reunidas sobre el. . Estas hormigas y la mosca que puede verse en la esfera que parece estar llena de agua, son los únicos seres vivos en este cuadro  lleno de melancolía sombría.

 

El cuadro de Dalí no se cuestiona solo la materialidad de lo representado, su color y su congruencia; también los signos del tiempo – el verdadero tema del cuadro – experimentan un cambio profundo, difícilmente comprensivo desde el punto de vista racional. El tiempo fugitivo que así mismo tiene su expresión simbólica en el cuerpo del caracol en disolución, autorretrato del  pintor, no se refleja en el avance de las manecillas, sino en la fusión de los  relojes cada reloj marca una hora diferente, y es que en el mundo onírico de Dalí el tiempo lineal que avanza continuamente no tiene ninguna importancia. Nuestro pasado esta grabado en nuestros recuerdos: los relojes, sin embargo, se derriten e incluso el reloj solidó esta cubierto de hormigas, que para Dalí constituyen un símbolo de putrefacción y podredumbre, es decir, la muerte. Todo lo creado por el hombre esta representado en el cuadro de Dalí como pasajero.

           

Este cuadro hace referencia a lo onírico, al lo irracional o lo que escapa de nuestra realidad abandonando e inclusive rechazando todo ley física. Anteponiendo el mundo metafísico

Dalí se consideraba un hombre universal y a lo largo de su vida esta íntimamente relacionado con los avances de la ciencia, preocupado por informarse sobre los escritos acerca de la teoría de la relatividad de Albert Einstein.

 

Dalí se refiere a los relojes blandos como un símbolo de las cuatro dimensiones del continuo espacio-tiempo de la teoría de la relatividad, esta teoría había demostrado que cada cuerpo tiene un tiempo propio que depende de su movimiento y su estado energético, y no del tiempo mesurable mediante los relojes 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Dalí a muy temprana edad tenia una gran inquietud acerca de lo que sucedía en el mundo prueba de ello es que ha la edad  de doce años tenia conocimiento de lo el fauvismo representaba como corriente, en especial a Matisse así como otras corrientes pictóricas gracias a que su tío le enviaba revista y libros de su librería que tenia en Barcelona

En 1919, con quince años fundo la revista de estudiantes para lo que redacto artículos sobre la obra de los grandes maestros como el, Greco, Goya, Miguel Ángel y Velásquez.

 

Dalí leyó a Kant, Voltaire y empezó a interesarse por la psicología,

 

En la academia real de bellas artes de Madrid donde contaba con una biblioteca muy bien dotada, ofrecía a los estudiantes la posibilidad de informarse sobre las nuevas tendencias internacionales en el ámbito de las bellas artes, además unas de las personalidades mas famosas de la época, como el  científico Albert Einstein, el escritor H.G Wells, o el compositor Igor Stawinsky daban conferencias o exponían su obra en aquel centro.

 

En el salto del dadaísmo al surrealismo, de la reivindicación de lo absurdo y caprichoso, en negativo contra los valores establecidos; a la reivindicación de el mundo de los sueños. De lo inconciente y lo reprimido, de lo irracional, como un mundo propio: de la principal fuente de inspiración y el apoyo teórico lo dará el psicoanálisis de freíd.

 

Que es o que representaba el psicoanálisis para poder influir tanto en Dalí y en otros surrealistas.

 

Concebido inicialmente por Sigmund Freud (1856 – 1939), un medico psiquiatra vienes, y sus discípulos como una terapia para la curación de las enfermedades mentales menores, (la neurosis y en particular la histeria), salto pronto del ámbito clínico para convertirse en uno de los fundamentos de la psicología y la sociología criticas alcanzando sus planteamientos gran influencia en el mundo cultural y artístico, e incluso algo después en las concepciones políticas, antropológicas y filosóficas del siglo XX.

Por que Freud tras la compleja construcción teórica del psicoanálisis,  que fue descubriendo una serie de postulados reveladores  de un nuevo modo de entender lo que es el ser humano, de una forma revolucionaria de entendernos a nosotros mismos, esta forma se acabaría convirtiendo para Dalí, como para otros muchos, una verdadera religión, en una herramienta básica para su comprensión del ser humano.

 

Freíd había partido, ni mas ni menos, de que los sueños y otros fenómenos no racionales de nuestra mente, (errores, olvidos) no eran menores caprichos, sino que tenían una lógica, cuya investigaron le llevaría a conocer la gran influencia de lo inconciente, lo instintivo y lo reprimido en definitiva, sobre nuestra vida inconciente.

Este retorno de lo reprimido, de lo instintivo, de lo inconciente, de lo menos racional del hombre, al primer plano de de nuestra atención el lo que recogerán los surrealistas, entre otros.

Aunque se fijan  los avances del psicoanálisis, filosóficamente estas reivindicaciones siguen la estela de Nietzsche, el filosofo alemán,  cuya  lectura en la adolescencia de Dalí, lo impresiono, siguen su critica a la cultura occidental, su defensa de lo dionisiaco (lo irracional, lo mas vital y descontrolado), frente a lo apolíneo (lo racionalizado y ordenado) que había llegado a monopolizar los valores de nuestra cultura desequilibrándola.

El psicoanálisis va o poner  el soporte científico, o paracientifico al menos, para esa reivindicación, en su indagación en las partes más oscuras de nosotros mismos, en nuestra propia infancia, en  recuerdos distorsionados del inconsciente.

 

Junto con Freud, Nietzsche, Eintein, Marx, y en ocasiones Darwin- algunos llamados pensadores de la sospecha, por que todos ellos habrían introducido serias sospechas, serian sin duda, sobre la concepción moderna del  predomino de la razón humana, centro del mundo, y  planteamientos científicos, Marx muestra la dependencia de la razón, pretendidamente pura y superior, de las condiciones materiales y el devenir económico, así como de los intereses sociales de quienes controlan las fuerzas productivas, Darwin habría mostrado nuestra continuidad con el mundo animal,

Nietzsche había hecho recaer la atención sobre las fuerzas irracionales como fuerzas vitalizadotas del ser humano, Eintein había plantado el tiempo como un fenómeno relativo capaz de  variar por el espacio, con relación al cosmos y Freud había desvelado que tras las buenas intenciones aparentes se esconden deseos inconfesables e inconscientemente a menudo totalmente primitivos, egoístas, de envidia, celos e incluso criminales o de suicidio.

Por eso Dalí como otros surrealistas, consideraban un deber moral desmontar toda la hipocresía de la cultura burguesa, dejando a la luz, la realidad de nuestros sueños, miedos y deseos reprimidos.

 



Lo sublime en el trabajo de Teresa Margolles
mayo 29, 2008, 7:58 pm
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“Lo sublime presenta a su vez diferentes caracteres. A veces le acompaña cierto terror o también melancolía, en algunos casos, meramente un asombro tranquilo, y en otros, un sentimiento de belleza extendido sobre una disposición general sublime”.

 

                                                            Kant Emmanuel, 1783, pag.134

 

 

 Lo sublime en el trabajo artístico de Teresa Margolles

 

“Desde el inicio de mi carrera a principios de los 90, he estado trabajando en una aproximación estética no tanto al tema de la muerte como al de los cadáveres en sus distintas fases, incluyendo sus implicaciones socioculturales. Trabajo sobre cuerpos sin vida, con lo que está en decadencia, y siempre lo hago empezando con la misma pregunta: ¿Cuánto es capaz de experimentar un cadáver?”

                                                                         Teresa Margolles

 margolles

  

Sublime

 

 

 

No solo la muerte implica temor, morir puede tener diferentes puntos de vista dependiendo de cada grupo social. El folklor mexicano hace de este acontecimiento natural de la vida un ritual, una fiesta. Pero, que hace al trabajo de Teresa Margolles ser sublime? Puede ser poco probable que ese haya sido el objetivo de la artista.

 

Pero sin embargo observamos imágenes que a simple vista parecen “lastimar” y terminan atrapando a quien las ve. Lo sublime se filtra en nosotros atreves de los ojos y es la única sensación que se pasea por nuestras viseras. Lo que mueve al espectador para apreciar estas obras de arte es su gusto cultivado por ellas. El arte valora el trabajo y el proceso que utiliza para realizar sus obras. Es una sensación de vacio, de soledad, de abandono a la vida. Explicar lo inexplicable.

  

 Autorretratos en la morgue

Ensayo fotográfico de personas fallecidas en forma violenta, presentada en 1998 en el Museo de la Ciudad de Querétaro.

 

 

 

 

El arte que alcanza el punto cero.

 

 

 

 

“Secreciones” o “El muro de las lamentaciones de una cultura de lujo y bienestar”

 

El nuevo muro de las lamentaciones como lienzo amenazante y su único picmento        “la grasa humana”. Aturde al paseante y lo vuelve minimal. La pared se transforma en una curiosa marejada. Resulta bella y esta impresión desgraciadamente no consigue desaparecer del todo cuando uno averigua qué es ese material color oro brillante: siete kilos de grasa humana extraídos de liposucciones, absorbidos en las clínicas de belleza de México.

Resulta inquietante la idea de que la grasa humana sea material para un artista. Teresa lo lleva a su máxima expresión y es manejada con sumo profesionalismo. La grasa que es parte de nuestros cuerpos ahora esta plasmada y se vuelve una espina en nuestra conciencia. Hasta donde hemos llegado con nuestros cánones de belleza. Podría alguien visitar este muro y postrase frente a el como un espejo y poder identificarse, ver el horror de su vanidad  o apreciar  su posible aportación de grasa de manera sublime.

 

Todo aquello que en la mente se detiene como un recuerdo, adquiere de alguna forma un significado. Estará allí  como la vista primera que se le da a una pintura, tal vez no acabas de entenderla pero   emociona. Y es esa emoción que no se explica, es la completud.

  

autorretrato 

 

Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones y les trasladamos un sentido cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales.

 

-Sentir es no saber qué. La exactitud de definir los sentimientos como ideas confusas puede apreciarse en una serie de frases cotidianas, dichas generalmente  en primera persona: “si lo sé, pero no sé como decirlo; no sé que me pasa; no puedo explicarlo; no puedo ponerlo en palabras”; tales frases son pronunciadas a propósito de una idea, una certeza, una canción, un gusto o disgusto, una afección, un paisaje; y la única respuesta posible usa frases dichas generalmente en segunda persona:

“tendrías que verlos, oírlo, sentirlo, tu mismo para que entiendas de que se trata”.

 

 

Sentir es lo inefable; lo que no se puede decir, solo se puede sentir; y abarca más de lo que comúnmente se denomina sentimientos. Hay, por ejemplo, ideas que parecen sentimientos, como los valores morales, pero, en tanto son inexplicables, pertenecen al orden afectivo; los pensamientos que no pueden pensar  se llaman sentimientos. Los sentimientos no están metidos en las cajas de las palabras.-

 

(Pablo F. Christlieb, 1999, pag.23)

 

 

Conclusión

 

 

 Lo sublime va ligado al sentimiento humano y muy posible a la parte de los “excesos”. La muerte no es su único punto de partida pero si un buen inicio. Es un elemento artístico capaz de motivar a los nuevos creadores para brindar un nuevo aliento a una vida común que se extingue. Depende de saber distinguir, discernir, informarse y formarse, ser más autoconscientes llenarse de vida en vida. Aprender y aplicar todos los conocimientos  y expandirlos.  Hacerse  y deshacerse, admirar a lo más pequeño sin sentirnos superiores.  Qué es lo sublime?…   exceso de belleza.

 

 

 

 Biografía

 

Nace en Culiacán, Sinaloa, México. Actualmente vive y trabaja en México, D.F.

Co-fundador del grupo SEMEFO. Por más de una década ha explorado la muerte, particularmente la transformación del cuerpo después de la muerte-vida del cadáver. A través de fotografías, videos, instalaciones y performances ha incidido en temas tabú, dolor, memoria, violencia y desigualdad social.

BACKGROUND / ESTUDIOS

 

 

 

Diplomado en Medicina Forense en el Servicio Médico Forense, México, D.F., México.
Licenciatura en Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). México, D.F., México.

 

 

Iniciación artistica en la Dirección de Fomento a la Cultura Regional del Estado de Sinaloa (DIFOCUR), Culiacán, Sin., México.

 

SOLO EXHIBITIONS

 

 

2003

Galería Enrique Guerrero, México, D.F. México
En el Aire, Magazin4, Bregenz, Austria
Das Leichentuch , Kunsthalle Wien project space.
Viena, Austria

2002

Aire, Art Palace. Madrid, España.
Fín, La Panadería, México, D.F., México
Edificio Intervenido, Plaza San Mateo, Lucca, Italia

2001

Vaporización, ACE Gallery, México, D.F.
El agua en la ciudad, Sala 22ª, Barcelona, España
Grumos sobre la piel, Barcelona, España

2000

Bondaje, Kunsthaus Santa Fe, San Miguel de Allende, Gto., México
Lienzo, Espacio Contexto, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
Lengua, Ace Gallery, Nueva York, NY; Los Angeles, CA, E.U.A.

1999

Anden, Calí, Colombia.

1998

Tarjetas para cortar cocaína. Galería Caja Dos, México, D.F. México
Autorretratos en la morgue, Museo de la Ciudad de Querétaro, Qro., México

1997

Cadáveres, El Getho, Madrid, España

 

GROUP EXHIBITIONS

 

2003

Des/fragmentar, Muca Roma, México, D.F. México
Fuera de campo.
X-Teresa Arte Actual, México, D.F. México
Strecht, Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto, Cánada
Against all evens.
Segunda Bienal Internacional de Gottenburgo,
Gottenburgo, Suecia.
Corps et fruit | cuerpo y fruta.
Baudoin Lebon, Paris, Francia
Bankett. Metabolismus und Komunikation | Banquete.
Zentrum für Kuntz und Medientechnologie, Karlsruhe, Alemania
Art Chicago 2003, Galeria Enrique Guerrero, Chicago , IL, E.U.A
MUESTRA ® 2, Galeria Enrique Guerrero, México, D.F., México
Espectacular. Centro Cultural Español, México, D.F. México
Mexico Attacks!, Associazione Prometeo per L’Arte Contemporanea, Lucca, Italia
Comer o no comer o las relaciones del Arte con la comida en el Siglo XX, Centro de Arte Salamanca, Salamanca, España

2002

Mexico: Sensitive Negotiations, Consulado de General de México en Miami,
Miami, FL, E.U.A
Otredad y Mismidad, Galería de Arte Contemporáneo .
Puebla, México
Sugar and Spice and Everithing Nice. Nikolai Fine Art, Nueva York, NY, E.U.A.
Entre líneas, Casa Encendida, Madrid, España
20 millones de mexicanos no pueden estar equivocados , South London Gallery, Londres, Inglaterra.
Zerba Crossing, Haus der Kulturen der Welt, Berlín, Alemania.
Lascas, L’oil de Poisson, Quebec, Cánada
Mexico City: An Exhibition about the Exchange Rates of Bodies and Values, P.S.1 Contemporary Art Center at Museum of Modern Art, Long Island City, NY, E.U.A.; Kunstwerke, Berlín, Alemania
VII Bienal de Pintura de Cuenca, Cuenca, Ecuador
Last Minute, Verso la fine dell´eternita, Vecchio Ospedale Soave, Lodi, Italia
Vacío y Contrario, Ex Teresa Arte Actual, México, D.F.
Axis México, Museo de Arte de San Diego, San Diego, USA

2001

Escultura Mexicana, Museo del Palacio de Bellas Artes, México, D.F. México
Hábitat Global, Universidad de Guanajuato, Guanajuato, México
Ventanas, Madrid, España
Muestra de Video Mexicano, Escuela Superior de Bellas Artes, Toulouse, Francia
25×25, Galería de Arte Mexicano, México, D.F., México
Metropolis Mexica, Museé de Picardie, Amiens, Francia
Bitacora y Obra, Itinerante por la República Mexicana.
The Seven Annual N.Y. Underground Film Festival, Nueva York, E.U.A.
2000 Extramuros, Muestra paralela a la Bienal de La Habana, Habana, Cuba
Cuerpo y fruta, Embajada de Francia, México, D.F., México
’00 Paréntesis de una ciudad, San Juan de Puerto Rico, Puerto Rico
Cinco continentes y una ciudad, Museo de la Ciudad de México, México, D.F., México
Señales de Resistencia, Museo de la Ciudad de México, México, D.F., México
Exotismos, IV Bienal de Lyon, Lyon, Francia

1999

Baño María, Cineteca Nacional, México D.F., México
Bienal de Fotografía, Centro de la Imagen, México, D.F., México

1998

Foto Construcciones, Museo de Arte Contemporáneo de Morelia, Mich., México
Bienal Bidimensional, Centro Nacional para la Cultura y las Artes, México, D.F., México

1997

Mariposas Negras, Escocia

1996

XVII Salón de la Plástica Sinaloense, Culiacán, Sin., México
Muestra Latinoamericana de Fotografía, Itinerante por América Latina

1995

Reventando el milenio, Galerías Mentales, Jalapa, Veracruz, México

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

AWARDS / Becas y Distinciones

 

2001/03

Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), México, D.F., México

2001

Premio de Adquisición en la VII Bienal de Cuenca, Ecuador
Mención honorífica en la Bienal del Noroeste, Culiacán, Sinaloa, México

2000

Premio de Adquisición en el Certamen Cuerpo y Fruta, otorgado por la Embajada de Francia en México

1999

Beneficiada en el Programa de Intercambio de Residencias Artísticas entre México y Colombia

1996

Beca de Jóvenes Creadores, otorgada por el FONCA, en la categoría de Medios Alternativos
De la Ciencia al Arte. Curso de taxidermia para niños. Festival Internacionacional Cervantino. Guanajuato, Gto. México
Primer lugar en el XVI Salón de la Plástica Sinaloense, organizado por la Universidad Autónoma de Sinaloa

 

 

 

Con SEMEFO

1999

Premio de Adquisición en la IV Bienal de Monterrey, categoría Instalación.

1994

Beca de Jóvenes Creadores, otorgada por el FONCA, en la disciplina de Escultura

1994

Realidad Virtual, Galería José María Velasco. México, D.F., México




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